Heutzutage tappen Musiker in die Falle: „Ich muss meine Musik hervorheben“ und verfallen gleichzeitig dem schlimmsten Weg, sie hervorzuheben – den Kompositionselementen. Obwohl es viele Möglichkeiten gibt, ihre Songs abzudecken, und Songwriter viele Möglichkeiten haben, sie hervorzuheben, wählen sie immer wieder die schwierigsten aus, nur um dann festzustellen, dass die Veröffentlichung beim Publikum durchfällt. Deshalb haben wir beschlossen, Komponisten dabei zu helfen, diese Hürde mit etwas unkonventionellem Denken zu überwinden, das nicht zu weit von dem abweicht, was ein Hörer liebt, aber dennoch genug Vielfalt bietet, um hervorzustechen!
Rhythmus und Wiederholung
Diese drei Schlüsselfaktoren spielen eine entscheidende Rolle dabei, sicherzustellen, dass Ihre Songabschnitte nicht nur richtig in die Komposition passen, sondern auch die bestimmenden Teile des Tracks sind, die die Muster erzeugen und beim Zuhörer Lust zum Mitsingen machen!
Auch in diesem Zusammenhang kann ein wenig Wissen über grundlegende Musiktheorie viel bewirken. Wenn du weißt, wie man einen Rhythmus oder Polyrhythmus (mehrere Rhythmen gleichzeitig in einem Teil eines Songs) erzeugt, erweckst du deine Musik zum Leben und kannst deine Gesangsaufnahme von durchschnittlich auf Weltklasseniveau bringen. Trap, Hip-Hop und moderner Rap verwenden beispielsweise Terznoten oder punktierte Viertel-/Sechzehntelnoten, um einen Rhythmus über einem Beat zu erzeugen, der üblicherweise „4 to the Floor“ (ein Kick- oder Snare-Beat zu Beginn jedes Takts) oder einem ähnlichen Muster entspricht. Das erzeugt einen Groove, der dem Hörer gefällt und zudem einfach zu schreiben ist. Frisch deine Kenntnisse der grundlegenden Musiktheorie auf, wenn du deine Tracks auf das nächste Level bringen willst!
Und schließlich: Wiederholung. Das ist tief in unserem Gehirn verankert – warum muss man zum Beispiel eine Aufgabe wiederholen, um sie zu lernen? Wie bei der Gitarre – man muss nicht nur spielen können, sondern auch üben. Dasselbe Prinzip gilt auch in der Musik und Komposition, und hier kommt die Grundstruktur ins Spiel. Komponisten bevorzugen normalerweise ein strenges Format für ihre Songs, aber es ist gut, zwischen den Stücken Abwechslung reinzubringen, um den Hörer auf Trab zu halten. Probieren Sie also die folgenden Muster aus und sehen Sie, ob sie Ihnen helfen. Eine kurze Anmerkung: Versuchen Sie, Ihre Verse textlich unterschiedlich zu halten, und denken Sie daran als Schlüssel für die folgenden Strukturen:
A = Strophe, B = Refrain, C = Bridge/Middle 8/usw., D = Outro.
- ABABCB
- ACBACBCB
- ABCBABD
Melodie und Harmonie
Harmonie besteht, vereinfacht ausgedrückt, aus zwei oder mehr Noten, die sich gegenseitig ergänzen und beim Hörer eine emotionale Reaktion hervorrufen. Wenn man diese Grundform versteht, kann man die Stimmung eines Songs, das Feeling, die Dynamik – einfach alles – verändern!
Die Schlüsselelemente der Harmonie sind Dur und Moll – Dur steht für Freude, Fröhlichkeit usw., Moll für das Gegenteil – traurig, wehmütig, aggressiv. Für einen Popsong sind Dur-Akkorde mit einer Prise Moll die übliche Formel, zum Beispiel e-Moll, G-Dur, D-Dur, A-Dur – der Gesamtklang des Songs ist überwiegend positiv. Eine gute Möglichkeit, dies zu verstehen und warum bestimmte Akkorde gut zusammenpassen und andere nicht, ist der Quintenzirkel, über den wir letzte Woche kurz gesprochen haben und der in das Video zur Harmonielehre integriert ist – den wir unten verlinkt haben, damit Sie mehr darüber erfahren!
Viele Menschen haben damit Schwierigkeiten, weil ihnen die Musiktheorie fehlt, aber es kann ganz einfach sein. Ich zeige dir ein paar Schritte, mit denen du JEDEN Track garantiert unglaublich klingen lässt – den Hauptpunkt musst du aber außerhalb dieses Blogs lernen:
- Der Quintenzirkel – Dies ist ein musikalisches Diagramm, das aus den Halbtönen besteht, die sich innerhalb einer gewählten Tonleiter ergänzen (siehe Video oben).
- Wenn ich aufnehme, beginne ich normalerweise mit der Hauptmelodie auf dem gewählten Instrument. Danach spiele ich normalerweise eine Quinte oder Septime über der Hauptharmonie, je nachdem, was der Song braucht und wie er passt. Versuche, die Melodie auf einem anderen Instrument zu spielen, um die Harmonie herauszufinden (ich spiele am liebsten Gitarre oder Klavier!).
- Zur Hervorhebung füge ich dann eine dritte Harmonie hinzu, die in der Mitte der Hauptaufnahme sitzt, aber eine Oktave darunter, und wähle diese dann subtil in den Mix ein, sodass sie direkt unter der Hauptmelodie sitzt – das kann eine Darbietung wirklich hervorheben und dem Track völlig neues Leben einhauchen, auch wenn es im Mix nicht offensichtlich ist!
Kadenzen und Arpeggieren
Kadenzen sind im Wesentlichen die Antwort auf eine Frage. Sie sind die Auflösung eines Teils, der entweder abgeschlossen oder unvollendet klingt, oder, musikalisch ausgedrückt, eine perfekte oder imperfekte Kadenz. Normalerweise klingt beim Anhören eines Liedes das Ende des Abschnitts vollständig, abgeschlossen und aufgelöst – an manchen Stellen innerhalb eines Liedes oder manchmal beim letzten Akkord verwenden Komponisten jedoch imperfekte Kadenzen, um in einen neuen Teil einzuleiten, Spannung aufzubauen oder den Hörer nach mehr verlangen zu lassen. Da es schwierig ist, es zu erklären, ohne es tatsächlich zu hören, haben wir unten ein Video verlinkt, das die Bewegung einer Tonleiter erklärt und wie man eine Kadenz ganz einfach mit einer Note von perfekt zu imperfekt verschieben kann.
Und schließlich Arpeggios. Diese Schreibtechnik ist so alt wie die Musik selbst, doch ihre Anwendung ist oft weniger bekannt. Ein Arpeggio ist einfach ein Akkord, dessen Noten einzeln, nacheinander und nicht gleichzeitig gespielt werden. Wenn jedoch ein Instrument einen Akkord spielt und ein anderes ihn arpeggiert, kann das einem Stück neues Leben einhauchen – etwa wenn eine Gitarre rechts anschlägt und die Gitarre links die Akkorde in umgekehrter Reihenfolge arpeggiert (auch als entgegengesetzte Melodie bekannt). Gesang als monophones Instrument eignet sich hervorragend zum Arpeggieren, ebenso wie Bass- und Lead-Parts wie Violinen und Gitarren oder Synthesizer und Klavier, während ein zweiter Bassakkord gespielt wird. Wenn Sie das nächste Mal einen Song schreiben, fügen Sie einige Arpeggio-Akkorde an den höheren Enden der Tonleiter hinzu, um Ihrem Song mehr Glanz zu verleihen, und haben Sie keine Angst, mit den Noten der von Ihnen verwendeten Tonleiter zu spielen. Damit meine ich, dass die Noten nicht in aufeinanderfolgender Reihenfolge auf der Tonleiter gespielt werden müssen, Sie können tief beginnen, in die Höhe gehen und wieder nach unten kommen.
Wir könnten so viel zu diesen Themen schreiben, wie Turns, Triller und vieles mehr in Bezug auf Musiktheorie und Spieltechniken – und auch darüber, wie man sich von der Masse abhebt! Aber wir sind uns sicher, dass diese Schlüsselelemente Ihnen viel Stoff zum Nachdenken geben werden, wenn Sie versuchen, Ihren Songs mehr Leben einzuhauchen!