Hallo und willkommen zurück im Blog! Ich kann es kaum glauben, dass wir schon wieder in der Spätphase des Septembers sind, aber je näher der Herbst rückt, desto näher rückt auch die gruselige Jahreszeit, und das ist immer spannend. Ein weiterer Grund zur Freude ist die heutige Folge unseres Monatsschwerpunkts „ Das Beste aus einer schlechten Situation machen“ , in der wir versuchen, möglichst zu verhindern, dass etwas schiefgeht.
Wir haben bereits über den Nutzen von Planung und Voraussicht gesprochen, aber es gibt noch viele andere Möglichkeiten, um zu verhindern, dass etwas schief geht, insbesondere wenn es um Plug-Ins und Aufnahmetools geht, um die Sitzung für eine großartige Aufführung vorzubereiten. Das verhindert meiner Erfahrung nach normalerweise, dass später etwas schief geht.
Lassen Sie uns eintauchen.
Einrichten des Erlebnisses
Ich glaube, viele vergessen schnell, dass es gerade bei Sängern im Studio sinnvoll ist, die Aufnahmeumgebung so zu gestalten, wie man es selbst im Alltag nicht tun würde. Damit meine ich eine andere Beleuchtung, einen Duftdiffusor im Raum mit Elementen, die die Atmung des Künstlers unterstützen (Eukalyptus eignet sich beispielsweise gut), Tee oder eine Wasserstation in der Nähe, damit der Künstler ausreichend Flüssigkeit zu sich nimmt.
Die Umgebung, in der sie aufnehmen, ist aber nicht nur der physische Raum, sondern natürlich auch die Art und Weise, wie Sie das, was sie von sich selbst hören, gestalten. Ich unterteile das gerne auf verschiedene Weise, und jede Phase ist gleich wichtig. Wenn Sie das noch nicht mit Ihren Künstlern machen, empfehle ich Ihnen dringend, es beim nächsten Mal auszuprobieren und zu sehen, wie drastisch die Ergebnisse sein können!
Kanalzüge
Ich habe schon öfter über meine Vorliebe für Channel-Strips gesprochen, aber da sie wirklich alles können, ist es in diesem Szenario wichtig zu wissen, warum das viel häufiger zu Ihrem Vorteil ist. Beim Einstellen der einzelnen Teile der Kette versuche ich normalerweise, beim Equalizern so viel wie möglich vom Mikrofon und dem Sänger zu erhalten, verschönere aber nur einige der oberen Frequenzen und ducke dort, wo es leicht kastenförmig werden könnte, etwa zwischen 400 und 800 Hz. Indem man es mit den Equalizer-Einstellungen nicht übertreibt, behält man das bei, was der Sänger gewohnt ist zu hören, verfeinert die Stimme aber gerade genug, um ihn mit seiner eigenen Leistung zu beeindrucken.
Weiter zu Kompression und Filtern. Normalerweise filtere ich vor der Kompression, um mehr Genauigkeit zu erzielen. In dieser Phase muss man nie zu viel vom unteren Ende entfernen, aber schau dir den Bereich von 200–150 Hz abwärts an und schau, wann du landest (das hängt vom Mikrofon und Sänger ab, also ist es wichtig, dass du das jedes Mal mit jedem Sänger machst). Wenn du und die anderen zufrieden seid, lass sie ein paar Aufwärmübungen machen, um ein Gefühl dafür zu bekommen, wie dynamisch ihre Stimme sein wird, und arbeite an der Kompression, um sie zu kontrollieren und zu zähmen, aber lass es in dieser Phase nicht zu offensichtlich werden – du kannst den Kompressor später viel stärker beanspruchen, wenn du die reine Performance aus ihnen herausbekommen hast. An dieser Stelle versuchen wir, ihnen zu ermöglichen, sich selbst so gut wie möglich auf gleicher Lautstärke zu hören, ohne zusätzliche Verzerrungen oder Artefakte, die sie vielleicht wahrnehmen und sich mehr Sorgen machen als die Performance, wenn sie zu auffällig sind.
Der einzige Punkt, bei dem Channel-Strips typischerweise zu kurz kommen, ist das De-Essing. Daher empfiehlt es sich, dieses nach dem von Ihnen gewählten Channel-Strip-Plugin hinzuzufügen. Und auch hier gilt: Übertreiben Sie es nicht mit der Reduzierung – Sie wissen, dass Sie zu weit gegangen sind, wenn es anfängt, sich anzuhören, als ob sie lispeln!
Ich weiß, Sie alle wissen, dass ich dieses Plug-In von UAD liebe, aber der De-Esser, mit dem ich den API Vision Channel Strip verfolge, ist der Lindell Audio 902, der auf der Einheit der dbx 500-Serie basiert – probieren Sie ihn aus!
Plugins zum Einstellen der Stimmung
Ich nenne diese Plug-Ins „Stimmungs-erzeugende“ Plug-Ins, weil sie die Atmosphäre des Raums, in dem sich der Sänger befindet, drastisch verändern können. Manche Sänger möchten nur ein wenig Slapback-Delay und keinen Hall, andere Sänger möchten im Vergleich dazu eine ganze Echokammer – Ihre Aufgabe ist es, herauszufinden, in welcher Stimmung sie sind und wie Sie dieses Gefühl verstärken können.
Normalerweise beginne ich diesen Entdeckungsprozess, indem ich subtile Mengen jedes Plugin-Typs hinzufüge, zuerst ein Banddelay bei etwa 10 % Mix und so gut wie kein Feedback (nur damit ein paar Reflexionen zum Raumgefühl beitragen), gefolgt von einer Hallplatte, da Hallen meiner Meinung nach etwas „wolkig“ wirken können. Wichtig ist auch, dass ich einen Send mit diesen Plugins habe, damit ich die Lautstärke getrennt vom trockenen Haupt-Vocal-Mix regeln kann. Außerdem wähle ich fast immer entweder ein Hall-Plugin, mit dem ich die tiefen Frequenzen abschwächen kann, oder ich füge anschließend einen Hochpassfilter hinzu. Auch hier gilt, dass alle diese Plugin-Typen oder -Stile bei Bedarf später geändert werden können. Dies dient nur dazu, den Sänger in eine angenehme Stimmung zu versetzen, damit man wirklich das Beste aus ihm herausholen kann.
Ich liebe dieses Seventh Heaven Plugin für Gesang, es bietet einfach so viele Optionen und einen so ausgefeilten Sound – wie etwas direkt aus einer Hardwareeinheit!
Das Mikrofon ist der Schlüssel
Es klingt offensichtlich, aber dahinter steckt mehr, als man auf den ersten Blick sieht. Natürlich sollte die Qualität Ihrer Instrumente immer so hoch sein, wie Sie es im Rahmen des Zumutbaren erreichen können. Aber glauben Sie nicht, ein Mikrofon sei für alle Stimmen geeignet – deshalb sollten Sie beim Einrichten immer verschiedene Mikrofone testen. Und noch wichtiger: Wenn der Sänger nach all diesen Schritten immer noch unsicher über die Stimmung oder den Klang ist, können Sie die Mikrofonauswahl jederzeit überdenken und prüfen, ob ein anderes besser passt.
Ein gutes Beispiel hierfür ist, wenn ich bei einem Sänger mit tieferem oder höherem Stimmtimbre instinktiv ein neutrales Mikrofon wie das Amethyst oder das V67 gewählt habe und sowohl die oberen als auch die unteren Frequenzen ausgewogen sein sollten. Nach dem Einrichten fühlte es sich einfach nicht richtig an, und so probierten wir ein paar „extremere“ Optionen aus, wie das BB29, das sowohl einen modernen Klang als auch das hellste von allen hatte, sowie das V12, das hellste Mikrofon im Vintage-Stil, aber nicht so hell wie das BB29. Kurz gesagt, wir verwendeten schließlich das V12 für den Hauptgesang und das BB29 für den Hintergrundgesang!
Ich habe mir bei Aufnahmen von Sängern immer ein altes Sprichwort zu Herzen genommen: Ein Song ist nur so gut wie sein Sänger. Aus demselben Grund bleiben Mikrofone meiner Meinung nach auch heute noch so in Erinnerung wie seit Generationen. Das richtige Mikrofon ist immer der erste Schritt, um das Beste aus einer Performance herauszuholen, kann aber auch der Schlüssel zu Problemen sein, bevor die Performance überhaupt begonnen hat.
