Es wird oft unterschätzt, wie stark Musik eine emotionale Wirkung auf den Zuhörer haben kann.
Vor kurzem habe ich mit einem guten Freund an einem Projekt gearbeitet und er hat mich freundlicherweise gebeten, für ihn ein Zwischenspiel in der Art eines Schlaflieds zu erstellen, das er zwischen den vorletzten und den letzten Titel seiner Soloplatte einfügen könnte.
Heute möchte ich Ihnen zeigen, wie ich den Track erstellt habe und welche 3 einfachen Schritte ich mache, um Ihren Kompositionen eine emotionale und mitreißende Stimmung zu verleihen (und warum!)
Anordnung
Ich entschied mich für ein absolut simples Arrangement mit nur einem Riff, das sich im Laufe des Songs aufbaute. Beginnend mit den Gitarren links und rechts, die hart gepannt waren:
- Die Gitarre der rechten Hand ist das Riff und das, worauf sich der Zuhörer konzentrieren soll; nichts zu Ausgefallenes, aber gut gewählte Akkorde, arpeggiert mit einem kleinen Lauf am Ende.
- Die linke Gitarre spielt das gleiche Riff, gespielt für einen zweiten Take, aber am Ende jedes vierten Takts habe ich den Take verehrt und eingeblendet
Während das Lied sich der Mitte nähert, wird seit Beginn des Stücks eine Leadgitarre eingeblendet, die ihre maximale Lautstärke erreicht und sich mit dem Klavier verbindet, das an dieser Stelle ebenfalls einsetzt.
Das Klavier harmoniert mit dem Hauptgitarrenriff, hat aber einen zusätzlichen Touch, um den Zuhörer auf Trab zu halten. Das Klavier ist einfach wie unsere Gesangsmelodie, wenn sie auf dem Track wäre, aber stattdessen eignet es sich für die möglicherweise reaktionsschnellsten Teile des Songs.
Die Idee hinter diesem kurzen Track war, ihn in ein großes Finale am Ende des Albums zu verwandeln.
Mein Punkt ist einfach: Schreibe mit einem bestimmten Ziel. Bei diesem Track ging es mir darum, den Hörer zu fesseln, ihn förmlich in den Track hineinfallen zu lassen und hoffentlich eine emotionale Reaktion zu erzeugen, während sich der Song aufbaut und abrupt endet, bevor er in den letzten Track übergeht.
Hall
Als mein Freund mich bat, diesen Track zu machen, war ich natürlich gerne bereit und konnte es kaum erwarten, loszulegen – doch gerade als ich mich in die Arbeit stürzen wollte, veröffentlichte eine meiner Lieblings-Plugin-Firmen ein neues Hall-Plugin: Valhalla Supermassive . Es schien zu schön, um wahr zu sein, aber es ist tatsächlich kostenlos !
Ich hatte dieses Plugin noch nie benutzt, aber ich liebe die anderen Plugins und habe einige bereits im Blog erwähnt, daher war es nicht allzu schwierig, mich mit diesem vertraut zu machen. Dieser Hall ist, gelinde gesagt, enorm und der perfekte Hall für große Flächen üppiger Hallfahnen, die perfekt synchron ineinander übergehen.
Um noch einmal auf das Arrangement zurückzukommen: So habe ich den Hall auf die Instrumente in diesem Mix angewendet, indem ich einfach eine Voreinstellung geöffnet und einige sehr kleine Änderungen vorgenommen habe:
- Die linke Gitarre hat mit den folgenden Einstellungen einen Wet-Wert von 57 %, sodass die Gitarre durchscheinen kann, ohne dass der Hall zu dicht wird und das Instrument, dem Sie als Hauptstütze des Zwischenspiels folgen, trübt.
- Die rechte Gitarre, die bereits umgekehrt ist und deren Überblendungen als Anschwellen fungieren, ist zu 100 % rauschfrei, um den Eindruck zu erwecken, als würde nur die linke Gitarre gespielt, während die rechte Gitarre fast als Spiegelbild fungiert. Dieser Hall ist deutlich dichter und basiert auf einem völlig anderen Algorithmus, funktionierte aber mit dem ersten Preset perfekt.
- Die Leadgitarre verfügt über einen in das NeuralDSP Archetype Plini Plugin integrierten Hall, der dem bereits im Blog erwähnten Valhalla Room Plugin ähnelt . Die Länge entspricht der des Supermassive und liegt mit 93 % Wet-Anteil deutlich niedriger im Mix, um sicherzustellen, dass der Hall eher ein subtiler Füller als ein Fokus des Tracks ist. Bei dieser Art von Track versuche ich immer, den Großteil des Instrumentenpegels beizubehalten und stärker zu vermischen, anstatt jedes Instrument in seinem eigenen Raum zu platzieren.
- Das Piano, ein kostenloses Plugin aus Spitfire Audios Projekt LABS, das ihre Soft Piano Library verwendet, ist auf 86% eingestellt
Alle Halleffekte sind hochpegelig eingestellt, um miteinander zu verschmelzen und eine weite Klanglandschaft zu schaffen, in der sich der Hörer beim Hören verlieren kann. Da alle Halleffekte unterschiedlich sind, ist es wichtig, beim Hören den Equalizer anzupassen und sicherzustellen, dass jeder Effekt gut mit dem anderen harmoniert. Damit meine ich einfach, auf Frequenzanstiege zu achten, die beim Hören zu stark wirken.
Eine gute Möglichkeit, dies zu vermeiden, besteht darin, das Arrangement in getrennten Oktaven zueinander zu platzieren und so die Nutzung des Frequenzspektrums zu verteilen (in unserem Video mit Abe Fihema wird dies viel detaillierter erklärt, Sie finden es hier ).
Fokus und Automatisierung
Beim Aufbau des Tracks ist es wichtig, zunächst seinen Zweck im Auge zu behalten. Mein Freund bat mich, etwas zu kreieren, das den vorletzten und letzten Track zusammenhängend verbindet und Energie und Emotionen für das Finale des Albums aufbaut.
Dies lässt sich nun anhand der Automatisierung und der Platzierung der Instrumente in der Komposition erkennen. Beachten Sie, dass sich die Lead-Stimme allmählich bis zur Mitte des Tracks entwickelt hat – gleichzeitig rückt das Klavier in den Vordergrund und ist der führende Part für den Höhepunkt des Songs.
Am Ende des Songs bildet das Klavier den Schlusston für eine perfekte Kadenz, während der Rest des Arrangements komplett wegfällt, um den Schluss zu fokussieren. Zudem ist es in der gleichen Tonart wie der erste Ton des nächsten Songs. Dies alles mit der Absicht, die Stille im letzten Teil des Songs quasi als eigenständiges Instrument zu nutzen, um den Schwung des nächsten Songs sofort einsetzen zu lassen und dem Hörer gleichzeitig einen Moment zum Durchatmen zu geben, bevor er mit der Geschichte fortfährt. Automatisierung ist der Schlüssel zur Umsetzung all dieser Ideen.
Verwenden Sie Automatisierung, um die Lautstärke von Teilen zu erhöhen, oder erhöhen Sie den Wet/Dry-Mix des Halls für einen bestimmten Teil einer Spur auf einem bestimmten Instrument – oder verwenden Sie einen Hochpass- oder Tiefpassfilter, um das Spektrum vor dem Übergang zum nächsten Teil eines Songs zu durchlaufen oder sogar um ganz zum nächsten Song zu wechseln.
Es soll Fokus bringen und Ihren Tracks Leben einhauchen, und wenn Sie eine emotionale Klanglandschaft schaffen, ist dies meiner Meinung nach für eine gut geschriebene Partitur unerlässlich.