Es ist Woche drei unseres Monatsschwerpunkts „Effizientes Arbeiten“ , und das heutige Thema ist wohl eines meiner Lieblingsthemen, die ich mit Produzenten bespreche, die mich fragen, wie ich schnell arbeite und trotzdem konstant hervorragende Ergebnisse erziele. Es gibt eine Fähigkeit, die ich im Laufe des letzten Jahrzehnts nach besten Kräften zu perfektionieren versucht habe. Laut ausgesprochen klingt es, als würde ich sie mir gerade ausdenken, aber es ist wirklich eine Fähigkeit, die es wert ist, verfeinert zu werden. Deshalb sprechen wir heute darüber, wie man auf sein Bauchgefühl hört!
Tauchen wir ein!
Verpflichten Sie sich zu Ihren Aufnahmen
Einer der Gründe, warum ich dieses Thema so gerne persönlich anspreche, liegt darin, dass es mir ziemlich leichtgefallen ist. Erst als mich jemand darauf ansprach und ich online andere darüber sprechen sah, war mir der Wert des Themas bewusst. Das wurde mir klar, als ich im Andy Sneap-Forum über einen Beitrag stolperte, in dem ein anderes Mitglied nach Informationen fragte, wie man erkennt, ob eine gute Aufnahme tatsächlich eine gute Aufnahme ist.
Ohne die Reaktionen durchzugehen, gibt es eigentlich nur einen Weg herauszufinden, ob ein Take gut ist oder nicht, und zwar, ob Sie oder der Künstler meinen, es sei das Beste, was Sie je gemacht haben, oder ob Sie es noch besser machen könnten. Früher habe ich von jedem einzelnen kleinen Take eines ganzen Albums mehrere behalten und mir Spielraum gelassen, Takes, die mir nicht gefielen, ein- oder auszutauschen. Doch nach einer Weile des Hörens wurde mir klar, dass ich dies fast jedes Mal tun musste, wenn ich wieder an dem Projekt arbeitete – so wurde am Ende keine wirkliche „Arbeit“ geleistet, um den Song zu verbessern, und wenn überhaupt, habe ich mich beim Fortschritt des Mixes auf eine bestimmte Position beschränkt.
Stattdessen fordere ich die Künstler jetzt auf, hart und mit Absicht zu spielen. Wenn der Künstler nicht genau weiß, was er für eine gute Aufnahme hält, entscheide ich selbst und verpflichte mich zu dieser Aufnahme, anstatt Hunderte für ein Projekt zu haben. Außerdem haben sie ihre Parts schon vor einer Session einstudiert und spielen den Song jedes Mal perfekt. Das liegt nicht daran, dass ich ein perfektes One-Take-Szenario will, sondern eher daran, dass ich dem Künstler sage, dass ich außerhalb des Studios auf ihn reagiere, um seine Parts zu üben und seine Performance basierend auf dem anzupassen, was er für eine großartige Leistung hält. Dann vertraue ich darauf, dass er mir im Studio sagen kann, ob er es besser machen kann oder nicht. Und außerdem können sie die Performance auch live nachstellen. Es ist also wirklich eine Win-Win-Situation für beide Seiten!
Ein echter Vorteil, den ich bei dieser Zusammenarbeit mit dem Künstler und dem Gespräch vor der eigentlichen Aufnahme nicht vorhergesehen hatte, war, dass es meine Beziehungen zu allen Künstlern enorm verbessert hat. Indem man den Leuten, mit denen man arbeitet, sagt, dass man an sie glaubt, dass sie jedes Mal einen Volltreffer landen können, vorausgesetzt, sie nehmen sich die Zeit, die Songs in ihrem eigenen Tempo zu perfektionieren, stärkt das ihr Vertrauen in einen enorm; und alles, was es dazu braucht, ist dieses erste Gespräch.
Maystones ist schon seit langem mein Kunde und während dieser Zeit haben Steve (im Bild) und ich eine großartige Beziehung aufgebaut, die auf den oben genannten Grundsätzen basiert.
Planen Sie Ihre Entscheidungen gut
Wenn eine Session vor der Tür steht und ich weiß, dass es eine drei- bis viertägige Live-Drum-Recording-Session wird, muss ich mich vor allem mit der Mikrofonauswahl und den Mikrofontechniken beschäftigen. Letzte Woche habe ich darüber gesprochen, den Aufnahmeraum zu erkunden. Das steht immer an erster Stelle, bevor man die Mikrofonauswahl für die Session plant. Es geht aber Hand in Hand, und wenn es ein neuer Raum ist, werden Ihnen diese Gedanken wahrscheinlich sowieso durch den Kopf gehen.
Bei der Planung der Mikrofonauswahl und der Techniken geht es in dieser Hinsicht um mehr als nur darum, die beste Klangqualität zu erzielen. Es geht auch darum, wie die Klangfarbe der Aufnahme klingen soll. Außerdem geht es darum, das bestmögliche Bild des Kits an der Quelle zu erhalten, anstatt es später im Mix formen zu müssen.
Ich nehme das Schlagzeug immer zuletzt auf. Wenn ich mit der Band an diesem Punkt bin, haben wir bereits mit MIDI- und Sample-Paketen gearbeitet, um die Struktur des Mixes zu erreichen, und die Stimmung und das Feeling der Musik sind zu etwa 80 % fertig. Wenn ich die Live-Drums-Aufnahmen plane, überlege ich, wie ich den Sound, den wir mit den gesampelten Drums bereits haben, verbessern kann:
Über all diese und weitere Fragen denke ich nach, wenn ich meine Auswahl plane, bevor ich überhaupt mit dem Packen für die Sitzungen beginne. Ich werde dies in einem Dokument festhalten, damit ich vorbereitet bin und beim Packen meiner Sachen anhand einer Checkliste arbeiten kann.
Sie werden nicht mehr hergestellt, aber mein Paar BT-301 ist meine Geheimwaffe für Schlagzeugsessions und dieses XY-Paar war während der Session ein Jokerpaar, das wunderbar funktionierte.
Eine letzte Anmerkung
Das Letzte, was ich immer mache, ist, zwei Ersatzmikrofone für alle Fälle in mein Gepäck zu packen, und zwar aus einem einzigen Grund: Es ist okay, wenn man etwas falsch macht. Der Trick besteht jedoch darin, bei der Planung herauszufinden, wo man unsicher ist, und dann auch die Alternativen zu planen. Die schlimmste Situation ist, wenn man mitten in den Sessions immer noch nicht mit dem Klang des Snare-Mikrofons zufrieden ist. Stellen Sie sicher, dass Sie die Ersatzmikrofone dabei haben, und rufen Sie frühzeitig an, um Ihre Wahl zu ändern. Es ist keine Schande, nicht alles 100 %ig zu planen (das gelingt mir selbst jetzt selten!)