Egal, ob Sie gerade erst anfangen oder diesen Beruf schon länger ausüben: In der Audiowelt tauchen immer mehr Mythen auf – insbesondere bei Lehr- oder Informationsvideos.
Das kann etwas ganz Einfaches sein, wie dass Sie jemand davon überzeugt, dass ein bestimmtes Gerät Ihre Mixe plötzlich zum Leben erweckt, oder dass Sie ein bestimmtes Gerät wie die Pest meiden sollten, da es nichts als Zerstörung bringt.
Nun, Verzerrung ist destruktiv und wir verwenden sie ständig? Tatsächlich kann es nützlich sein, sich darauf einzulassen, wenn etwas schlecht klingt, den Ton in Stücke zu reißen und etwas Großartiges zu schaffen!
Lassen Sie uns also in die wichtigsten Audiomythen eintauchen, die Sie kennen sollten, und Ihnen hoffentlich dabei helfen, sich auf die wichtigen Dinge zu konzentrieren, wie zum Beispiel die Aufnahme einer guten Platte!
Lauter = Besser
Am häufigsten kommt es vor, dass während des Mixes keine A/B-Vergleiche zwischen den Änderungen durchgeführt werden. Viel zu oft stoße ich auf Plugins mit einer „Auto Gain“-Funktion, die die Lautstärke des bearbeiteten Audios subtil erhöht.
Zu Beginn tendierte ich immer zu den lauteren Änderungen, da diese spannender und für das Ohr weitaus fesselnder klangen. Dies führte jedoch auch zu einer schnelleren Ermüdung beim erneuten Anhören.
Nachdem ich diesen Fehler bei einem Mix wiederholt gemacht hatte, ohne aktiv über die Anpassung der Verstärkung an das Audiomaterial nachzudenken, war ich beim erneuten Anhören nach einer kurzen Pause enttäuscht und entmutigt, weil es nicht so gut klang, wie ich ursprünglich dachte, als ich die Änderungen vornahm.
Dies lässt sich auf einfache Weise vermeiden, indem Sie einen A/B-Vergleich aller Änderungen durchführen, insbesondere von EQ, Clipping und Komprimierung. Nehmen Sie sich dabei die Zeit, den Pegel des betroffenen Audiosignals sorgfältig mit dem des nicht betroffenen abzugleichen.
Dadurch trainieren Sie nicht nur Ihr Gehör, um Kompressions- und EQ-Bewegungen viel schneller wahrzunehmen, sondern vermeiden auch, denselben Fehler zu machen, den ich lange Zeit gemacht habe, bevor ich es bemerkt habe!
Kick und Snare sollten Ihr Hauptaugenmerk sein
Ich erinnere mich noch gut daran, wie ich, als ich zum ersten Mal mit der Welt der Tontechnik in Berührung kam, jemanden zu Hause besuchte, da unser gemeinsamer Freund Gitarrist in derselben Band war. Er arbeitete an einem Demo, und ich meinte, Kick und Snare seien mir zu laut und würden die Gitarrenparts übertönen (weshalb ich überhaupt eingeladen worden war, um sie mir anzuhören).
Daran habe ich mich immer erinnert, als er mir antwortete, dass „jeder Profi sich darauf konzentrieren sollte, sicherzustellen, dass dies der am stärksten fokussierte Teil in einem Drum-Mix ist“ – und es hat mich monatelang in den Wahnsinn getrieben, weil ich mir das zu Herzen genommen habe.
Irgendwann wurde mir klar, dass dies zwar ein wichtiger, aber nicht der wichtigste Teil war. Den größten Teil des Drum-Sounds machen die Overheads und vor allem die Raummikrofone aus. Sie machen bei mir etwa 50–60 % meines gesamten Drum-Mixes aus und können, je nachdem, wie man sie behandelt, das Feeling, die Gewichtung und die Wirkung des Gesamtmixes drastisch verändern.
Darüber hinaus wird bei Live-Drums oft ein großer Teil des Kick- und Snare-Tails stark gegatet, um das Übersprechen innerhalb der einzelnen Audiospuren zu begrenzen. Dadurch bleiben Overheads und Räume übrig, um den Verlust des Decays der Kessel auszugleichen. Je nach Kompressionsstärke oder spezifischen EQ-Eingriffen, insbesondere im Bassbereich, kann Ihr Drum-Mix so richtig lebendig werden.
Gitarren müssen dick sein
Schließlich war es für mich eine der größten Herausforderungen, den richtigen Gitarrensound in meinem Kopf zu finden. Ich hörte mir Platten an und dann meine eigenen und fragte mich, warum meine Gitarren und damit auch mein Mix im Vergleich zu den Bands, die ich gerne hörte, so dünn und dürr klangen.
Zuerst ging ich in Foren und Gruppen voller „der klügsten Köpfe im Raum“, die mich beschimpften, ich solle meiner Gitarre mehr Tiefen und tiefe Mitten hinzufügen, aber das machte meine Mischungen nur unausgewogen und viel zu gewichtet, was andere Elemente der Mischung trübte und die Spuren trübte.
Irgendwann wurde ich in meiner damaligen Band zum Bass gezwungen, und da machte es endlich Klick. Wir gingen zu einem anderen Tontechniker, um unsere erste Single aufzunehmen, und er sagte mir, wir würden DI-Bass aufnehmen – was ich zunächst aufgrund der vielen Fehlinformationen im Internet ablehnte. Doch als er mir erklärte, wie er den Bass in zwei oder drei Teile aufteilt, die einzeln bearbeitet werden, wurde mir plötzlich klar, dass die Bassgitarre das Rückgrat des Sounds bildete, den ich suchte.
Bei vielen Gitarren liegt der Schwerpunkt auf dem mittleren Bereich, und selbst bei Gitarrenköpfen ähnelt der Low-Regler zur Steuerung der Bassinformationen eher einem Hochpassfilter als einem Glockenpeak oder Shelf zum Equalisieren der Gitarren.
Tatsächlich war ich beim Anhören von Stems von anderen Mixern überrascht, wie dünn deren Gitarren waren. Als ich mich also selbst daran machte und sicherstellte, dass die Bassgitarre solide und gut gespielt war und den unteren Mittenbereich des Mixes verstärkte, konnte ich damit beginnen, die unteren Mitten der Gitarren zu kontrollieren, wodurch sie viel kontrollierter klangen und sich auch so anfühlten, aber im Gegenzug viel wärmer und voller klangen, wenn sie mit dem Bass gemischt wurden.
Behalten Sie dies im Hinterkopf, wenn Sie das nächste Mal versuchen, diesen Ton in Ihrem Kopf zu erreichen, und stellen Sie sich unbedingt den Bassgitarrenklang gemischt mit dem allgemeinen Gitarrenklang vor, um den Fokus auf das Gesamtbild zu behalten!