Die Vorbereitungen für eine Schlagzeug-Aufnahmesitzung können schwierig sein, insbesondere wenn Sie mit dem Raum, dem Schlagzeug oder vielleicht sogar dem Spieler nicht besonders vertraut sind.
Es kann eine gewaltige Aufgabe sein, alle diese Variablen in so kurzer Zeit herauszufinden. Vor diesem Hintergrund hoffe ich, Ihnen einige wertvolle Einblicke in meine eigenen Sitzungen geben zu können, die Ihnen dabei helfen, entweder den gewünschten Klang zu erzielen – oder Ihnen vielleicht neue Einblicke in Möglichkeiten geben, an die Sie noch nicht gedacht haben, um den Klang Ihrer Sitzungen zu verbessern oder Ihren Arbeitsablauf zu optimieren.
Lassen Sie uns eintauchen.
Vorbereitung
Wie beim Kochen ist die Vorbereitung der Schlüssel zu einem reibungslosen Ablauf einer Sitzung, bei dem möglichst wenig Fragen gestellt werden müssen oder Entscheidungen, die Sie unter dem Druck treffen, in Frage gestellt werden müssen, weil Sie wissen, dass Ihnen nur eine begrenzte Zeit zur Verfügung steht, um den Klang zu erreichen, den Sie sich vorgestellt haben – und letztendlich auch der Ihres Gegenübers.
In dieser speziellen Session erwies sich dies als sehr wichtig, da ich noch nie in einem Raum aufgenommen hatte. Hätten wir nicht am Tag vor der eigentlichen Aufnahmesitzung drei oder vier Stunden Zeit gehabt, den Raum einzurichten und kennenzulernen, hätte ich meine anfänglichen Entscheidungen, insbesondere die Position der Raummikrofone, die Wahl der Mikrofone und deren Anzahl, möglicherweise noch einmal hinterfragt. Da wir uns diese zusätzliche Zeit genommen hatten, konnte ich im Raum umhergehen und dem Schlagzeuger in kurzen Abschnitten zuhören, um mich von meiner ersten Reaktion leiten zu lassen. Und nachdem ich nach Hause gegangen war, konnte ich mir die ersten Aufnahmen zufälliger Abschnitte des Schlagzeugers noch einmal anhören und über mögliche Änderungen nachdenken, um den Klang weiter zu verbessern.
Indem ich mir im Vorfeld die Zeit für die Vorbereitung nahm, hatte ich Zeit zum Bewerten und Nachdenken, was insgesamt zu einer großartigen Zusammenarbeit, konsistenten Takes und minimalen Zweifeln führte, was mich wiederum zuversichtlich machte, die Tracks in der von mir erwarteten Qualität zum Leben zu erwecken.
Versuchen Sie, sich so gut wie möglich vorzubereiten. Schreiben Sie eine Liste mit den Mikrofonen, die Ihnen zuerst einfallen, erkunden Sie den Ort im Voraus, wenn er Ihnen fremd ist und Sie mit dem Raum nicht vertraut sind, und überlegen Sie sich sogar eine zweite Wahl für Becken, Snares oder sogar Toms.
Platzierungen
Beginnen wir mit der Mikrofonplatzierung in unmittelbarer Nähe. Wichtig ist, jeden Teil des Kits bestmöglich zu isolieren, um das Gesamtbild zu erhalten. Wenn Sie beispielsweise zu viel von der Hi-Hat in der Snare einfangen, müssen Sie im Mix die ganze Zeit dagegen ankämpfen – dasselbe gilt für die Bodenzeit, wenn zu viel von der Snare eingefangen wird. Lassen Sie sich also Zeit und gehen Sie bei der Mikrofonauswahl logisch vor. Wenn Sie auf ein bestimmtes Mikrofon bestehen , weil Sie sicher sind, dass es zum Kessel passt, auf dem es platziert ist, nehmen Sie sich ausreichend Zeit für die optimale Platzierung.
Das Kick-Mikrofon ist eine Kombination aus drei Mikrofonen: zwei dynamischen Mikrofonen, die für Kick-Drums bekannt sind, und dem beliebten V11 an der Außenseite der Kick. Das V11 wurde etwa 75 cm vom Schlägel bzw. 7,5 cm von der Außenhaut entfernt platziert. Dies erzeugte einen sehr angenehmen und ausdrucksstarken Bass, der fast an einen Sub-Kick erinnerte, aber mit der Detailliertheit und dem Mitteltonbereich, den man normalerweise von einem FET-Mikrofon erwartet.
Für die Snare verwende ich ein beliebtes und zeitloses Mikrofon, gepaart mit einem Kleinmembran-Kondensatormikrofon (SDC). Das dynamische Mikrofon bildet den Korpus der Snare ab und kombiniert ihn mit den Details des SDC. Ich habe den HH1 für das untere Mikrofon verwendet und dabei die Kapselabdeckung entfernt, um möglichst viele Details ins Mikrofon zu lassen – ein guter Trick, wenn man dieses tolle Mikrofon besitzt und es nicht für eine Quelle verwendet, die zu viel Direktluft ausstößt (wie zum Beispiel Gesang oder eine Kick-Drum).
Beim Rack-Tom habe ich dasselbe gemacht, wobei ich mit einem zweiten Mikrofon vom Typ Snare auf den Korpus gezielt habe. Für den Boden habe ich das Amethyst verwendet, da es dank seiner außergewöhnlichen Kapsel einen angenehmen Bass erzeugt.
Es handelt sich um die identische Kapsel wie beim V67, daher war der Klang bei der Verwendung als Paar für die Overhead-Mikrofone für mich unglaublich angenehm. Beachten Sie die Position dieser Mikrofone: Die Snare-Mikrofone sind von der Hi-Hat weg gerichtet, sodass sie sich direkt dahinter befindet, sodass ich die Richtcharakteristik beider Mikrofone ausnutzen kann, während ich nach unten und hinter die Standtoms ziele, um die Erfassung des Racks oder der Standtoms zu begrenzen.
Das Floor Tom ist jedoch direkt nach unten gerichtet und da es ein sehr detailliertes Mikrofon ist, konnte ich genügend Stick-Attack einfangen, während ich einen fokussierten Bassbereich hatte und die Becken daneben oder darüber kaum oder gar nicht wahrnahm, da ich wiederum das eingebaute Richtdiagramm verwendete.
Schließlich habe ich diesen für den Einsatz bei Hi-Hats bekannten Kondensator mit hohem Schalldruckpegel besonders von der Snare weg und unter das untere Becken gerichtet, um den Klang aller anderen Teile des Kits so weit wie möglich einzuschränken.
Dies sind typische Positionen, aber sich die Zeit zu nehmen, auch nur einen Zentimeter anzupassen, hat enorme Vorteile gegenüber dem einfachen Anbringen und „Das reicht“. Überstürzen Sie diesen wichtigen Schritt nicht und verfeinern Sie Ihre Fähigkeiten hier, denn der Prozess wird schneller, je öfter Sie ihn durchführen, wenn Sie Anfänger sind oder wenig Erfahrung mit Live-Drum-Aufnahmen haben.
Raummikrofone gibt es, wie Sie auf diesem Foto (unten) sehen können, in Hülle und Fülle! Ich habe zuvor mit verschiedenen Positionen experimentiert, aber festgestellt, dass der beste Weg, die ideale Position zu finden, darin besteht, während des Trommelspiels durch den Raum zu gehen und die Mikrofone in der Nähe der Stelle zu platzieren, wo sie für mein Ohr am besten klangen. Sobald ich die optimale Position gefunden hatte, um mehr oder weniger Bass vom Schlagzeug aufzunehmen, änderte ich den Winkel nur geringfügig, entweder zum Schlagzeug hin oder davon weg.
Hier habe ich ein weit auseinander liegendes AB-Paar der wunderschönen Black Hole BH1S mit Nierencharakteristik, jeweils 3 Meter von der Snare entfernt, und 3 Meter voneinander entfernt. Das ist der Schlüssel zu einer perfekten Phase von Anfang an! Diese Technik wird Ihnen bekannt vorkommen, wenn Sie diesen Artikel schon länger lesen, da sie direkt mit der 1,2-Meter-Regel für Overheads zusammenhängt.
BH1S leistet im Mikrofonpaar für das beabstandete AB-Paar gute Arbeit.
Das Foto oben zeigt die Abstände und Platzierungen aller Mikrofone deutlich, sodass Sie dies bei Ihrer nächsten Sitzung nachstellen können.
Wenn Sie den Blog schon seit einiger Zeit lesen oder sich vor Kurzem das neue, jetzt erhältliche eBook zur Stereomikrofonierung geholt haben, dürfte Ihnen die 4-Fuß-Regel vertraut sein.
Dann habe ich ein Mono-Raummikrofon in Form des neuen BB29 hinzugefügt, 13 Fuß vom Kit entfernt und auf die Rückwand und nach unten gerichtet, um zu versuchen, mehr von den Reflexionen im unteren Frequenzbereich einzufangen.
Dieses Mikrofon ist meine Geheimwaffe, um das Ende der Kick- und Snare-Gitarre zu verlängern, wenn ich stark gaten muss, und seit ich das BB29 verwende, hat sich diese Technik in meinen Ohren nur noch 100-mal verbessert!
Schließlich, nachdem ich eine Nacht darüber geschlafen und darüber nachgedacht hatte, wie ich das Bild der Trommeln noch weiter ausbauen könnte, fügte ich ein XY-Paar der unglaublichen, aber inzwischen nicht mehr erhältlichen BT301 hinzu, die JZ einst angeboten hatte, in einer Entfernung von 9 Fuß und ungefähr auf Ohrhöhe, während ich saß, um nachzuahmen, was meine Ohren hörten (oder zumindest zu versuchen, dies zu reproduzieren).
Ich habe es immer als Privileg empfunden, dieses Paar zu besitzen, aber nie war es so privilegiert, wie es neben dem Spaced Pair aus BH1S und BB29 zu hören. Ich glaube nicht, dass ich es erklären und ihm gerecht werden könnte, daher habe ich unten ein Video eingefügt, in dem das Obige durchgegangen wird und die Techniken gezeigt werden, falls Sie diese Hinweise schnell in einem Videoformat nachschlagen möchten!
Aufnahme-Takes
Nun kommt der Teil, den viele angesichts des Aufwands und der Länge der Platzierung und Einrichtung übersehen – die eigentliche Aufnahme. Wenn Sie diese richtig machen und einige allgemeine Regeln beachten, können Sie Ihre Bemühungen mit der Vision des Schlagzeugers in Einklang bringen und (hoffentlich) brillante Tracks erstellen.
Lassen Sie uns kurz über Schlagzeuger sprechen. Es gibt so viele verschiedene Arten von Schlagzeugern, viele sind extrem gut in dem, was sie tun, aber die besten sind oft diejenigen, die nicht nur im Takt spielen, sondern auch gut geübt sind und jeden Schlag mit Bedacht ausführen.
Damit meine ich, wenn es sich um dynamische Musiker wie Jazz, Latin oder RnB handelt, dann ist die Dynamik gewollt und sie haben sich viele Gedanken darüber gemacht, wie die Stimmung und das Feeling des Songs vermittelt werden sollen. Bei Rock- und Metal-Schlagzeugern ist die Dynamik oft sehr spärlich, vielleicht kommt ab und zu eine Ghost Note vor. Aber in den meisten Fällen sorgt ein harter Schlag des Schlagzeugers für einen großartigen Sound – der Schlüssel liegt darin, dies konstant und passend zu halten. Ihre Aufgabe ist es, sie daran zu erinnern und die besten Takes zu erzielen.
Durch kräftiges Anschlagen lässt sich das Beste aus dem Kit herausholen. Diese lauten Schläge helfen Ihnen jedoch insbesondere beim Mixen, nicht nur präzise zu komprimieren und den Equalizer ohne zu große Variationen zu verwenden, sondern auch das Gate in dem von Ihnen gewünschten Ausmaß zu verwenden, um eine Trennung der nahen Mikrofone zu erreichen und sie wie gewünscht zu verarbeiten, ohne dass beispielsweise zu viel von den Becken oder Hi-Hats durchdringt.
Das harte Schlagen hat zwar die Vorteile, die wir besprochen haben, aber auch den Nachteil, dass die Stimmung mit der Zeit nachlässt. Es gibt viele Möglichkeiten, Trommeln zu stimmen, aber meine Lieblingsmethode ist die von Adam Getgood in seinem CreativeLive-Kurs (Link hier, falls Sie ihn lernen möchten).
Unabhängig von der Stimmung ist es wichtig, dass Sie eine akustische oder schriftliche Referenz für Ton und Stimmung haben und diese während der gesamten Session beibehalten, damit die Toms nicht mit zunehmender Dauer des Songs immer mehr durcheinander geraten. Das Ändern der Stimmung zwischen ganzen Songs kann jedoch eine gute Möglichkeit sein, die einzelnen Stücke differenzierter zu gestalten, insbesondere wenn die Songs alle einen ähnlichen Klang haben. Achten Sie aber auch hier darauf, die Stimmung jedes Teils zu notieren, um sie während des gesamten Songs gleich zu halten, oder greifen Sie darauf zurück, falls Sie zur ursprünglichen Stimmung zurückkehren möchten.
Ein weiterer Faktor, der die Tracks prägen kann, ist die Wahl der Becken, die den Vibe des Tracks unterstreichen. In dieser Session verwendeten wir beispielsweise ein Sabian 20-Zoll-Ride, das in Bezug auf Helligkeit und Dunkelheit recht neutral war, jedoch verwaschen wirkte und ein langes Sustain hatte, sodass es für die ersten paar Tracks perfekt funktionierte. Für den letzten Track entschieden wir uns jedoch für ein etwas detailreicheres Klangbild in Form eines Meinl Classic Custom Ride. Es war zwar gleich groß, aber deutlich weniger gealtert und deutlich knackiger und heller, was den Vibe des letzten Tracks perfekt ergänzte.
Abschließend möchte ich noch auf die Punktmikrofonierung eingehen, die wir in dieser Session nicht benötigten. Manchmal kann es aber sinnvoll sein, Becken, die man anders verarbeiten möchte, mit den Overheads zu verschmelzen. Dies könnte ähnlich wie bei der Hi-Hat-Mikrofonierung erfolgen, wobei darauf geachtet wird, eine möglichst große Trennung zu gewährleisten. Ziel ist es, dass das Mikrofon nur diesen Teil des Kits „hört“, um das Übersprechen von Kesseln oder anderen Becken in der Nähe zu begrenzen.
Abschluss
Hoffentlich helfen Ihnen dieser Beitrag und das Video bei Ihren Aufnahmen weiter. Wenn Sie einen ähnlichen Klang erzielen möchten, können Sie bei Bedarf darauf zurückgreifen. Das Wichtigste ist: Wenn es gut klingt, ist es gut. Versuchen Sie, Ihre Entscheidungen nicht zu hinterfragen und üben Sie diese oder Ihre eigenen Techniken ausreichend, um so sicher wie möglich zu sein.